Музыкальная среда 8

Richard Strauss

Richard Strauss


План лекции:

  • Г. Маллер, Р. Штраус.
  • Импрессионизм: К. Дебюсси, М. Равель

«Если Штраус то Иоганн,
Если Рихард то Штраус», — так отличают известное семейство немецких композиторов Штраусов, от однофамильца — знаменитого композитора Германии эпохи позднего Романтизма — Рихарда Штрауса. Он прославился благодаря своим симфоническим поэмам и операм. Был также выдающимся дирижёром.

Благодаря увлечению симфоническими поэмами появилась первая из них, показавшая зрелое мастерство, симфоническая поэма ‘Дон Жуан’. Во время премьеры в 1889 году, половина публики аплодировала в то время как другая половина осталась недовольна. Штраус знал, что он обрел свой собственный музыкальный голос, заявив:

« Теперь я утешаю себя сознанием того, что я нахожусь на сознательно выбранной дороге, всецело осознавая, что не существует художника, которого тысячи его современников не считали бы умалишенным. »

Штраус написал ряд симфонических поэм, в том числе ‘Так говорил Заратустра’ (Also sprach Zarathustra, 1896), начальные звуки которой сегодня широко известны благодаря фильму Стенли Кубрика ‘2001: Космическая одиссея’ и передаче ‘Что? Где? Когда?’.

В конце XIX века Штраус обращается к опере. Он создает ‘Саломею’ (по пьесе Оскара Уайльда), которая была встречена столь же пылко и неоднозначно, как в свое время ‘Дон Жуан’. На премьере в ‘Метрополитен Опера’ в Нью-Йорке протесты публики были столь громкими, что опера была снята после первого же представления. Без сомнения, эти протесты в значительной степени определялись выбором темы, но отчасти негативный прием был связан с использованием Штраусом диссонансов, которые редко можно было услышать в опере того времени. В других оперных театрах эта опера пользовалась успехом, что позволило Рихарду Штраусу построить свой дом в Гармиш-Партенкирхене исключительно за счет доходов от представлений этой оперы.

Сюжет этой оперы сейчас назвали бы некрофилией: Соломеи (падчерице Ирода) понравился пророк Иоанн, она захотела его поцеловать; а он не захотел. Тогда она попросила отрубить ему голову и поцеловала отрубленную голову.

Ну а музыка, конечно, замечательная. Отличительная особенность его опер — это огромные оркестры.

Р. Штраусс был официальным композитором фашистской Германии. Поэтому в СССР был непопулярен и нераспространяем. Хотя сам Рихард считал себя аполитичным, в ноябре 1933 года без каких-либо консультаций со Штраусом Геббельс назначил его на пост президента Имперской музыкальной палаты (Reichsmusikkammer); и Штраус решил сохранить за собой этот пост.

В 1948 году Штраус написал своё последнее сочинение, ‘Четыре последние песни для сопрано и оркестра’. Хотя песни Штраус писал в течение всей своей жизни, эти являются наиболее известными. В сравнении с сочинениями более молодых композиторов гармонический и мелодический язык Штрауса выглядел к тому моменту несколько устаревшим. Тем не менее, эти песни неизменно пользуются популярностью у слушателей и исполнителей. Сам Штраус заявил: «Может быть, я не являюсь первосортным композитором, но я — первоклассный второсортный композитор!»

Густав Малер — один из крупнейших симфонистов девятнадцатого и двадцатого веков. Начал карьеру как дирижер и достиг выдающихся успехов, и поэтому к нему очень долго сохранялось отношение именно как к дирижеру — его произведения поначалу были плохо признаны.

Малер был замечательным симфонистом, автором девяти симфоний (десятая осталась незаконченной автором). Все они занимают центральное место в мировом симфоническом репертуаре. Малер — пик оркестрового мышления. Насыщенные произведения, очень красочно, колорит всех инструментов. Восьмая симфония неофициально называлась ‘‘Симфония 1000 голосов’’ — настолько масштабным было произведение.

И из-за этого, если убрать оркестр, переложить его произведения на фортепьяно — исчезнет блеск, останется простая невыдающаяся мелодия.

Также широко известны его эпическая ‘Песнь о Земле’, симфония с вокалом на слова средневековых китайских поэтов. Широко исполняются во всем мире малеровские ‘Песни странствующего подмастерья’ и ‘Песни об умерших детях’, а также цикл песен на основе народных мотивов ‘Волшебный рог мальчика’.

Уже в конце XX композиторы столкнулись с проблемой что нет смысла сочинять в духе венской классики или романтизма — все что можно было сказать уже сказано; нужно искать новые направления и стили.

Музыкальный импрессионизм в качестве предшественника имеет прежде всего импрессионизм во французской живописи. У них не только общие корни, но и причинно-следственные отношения. И главный импрессионист в музыке, Клод Дебюсси, и особенно, Эрик Сати, его друг и предшественник на этом пути, и принявший от Дебюсси эстафету лидерства Морис Равель, искали и находили не только аналогии, но и выразительные средства в творчестве Клода Моне, Поля Сезанна, Пюви де Шаванна и Анри де Тулуз-Лотрека.

Импрессионизм в живописи подразумевает рисовать увиденное, а не изображаемое. Например, вы смотрите на дерево — вы же видете не отдельные листья; значит не нужно прорисовывать каждый листочек как на фотографии; ведь вы видите пятно — значит и изобразить можно пятно — и это будет реалистично. Импрессионизм — это изображение образов, а не предметов.

А композиторы осознали что не могут нарисовать определенные образы следуя правилам классической музыки: стандартных аккордов и мелодии не достаточно. Появилась музыка в которой нет мелодии (кантилены) — есть образы, некоторые из них вообще построены на диссонансах.

О истории появления этого музыкального течения сказал сам основатель Эрик Сати:

« Когда я встретил Дебюсси, он был полон Мусоргским и настойчиво искал пути, которые не так-то и просто найти. В этом отношении я его давно переплюнул. Я писал в это время ‘Сына звёзд’ на либретто Пеладана и объяснял Дебюсси необходимость для француза освободиться от влияния вагнеровских принципов, которые не отвечают нашим естественным стремлениям. Я сказал также, что хотя я ни в коей мере не являюсь антивагнеристом, но всё же считаю, что мы должны иметь свою собственную музыку и по возможности, без ‘‘кислой немецкой капусты’’. Но почему бы для этих целей не воспользоваться такими же изобразительными средствами, которые мы видим у Клода Моне, Сезанна, Тулуз-Лотрека и прочих? Почему не перенести эти средства на музыку? Нет ничего проще. Не это ли есть настоящая выразительность? »

Достаточно только перечислить названия наиболее ярких произведений Дебюсси или Равеля, чтобы получить полное представление о воздействии на их творчество как зрительных образов, так и пейзажей художников-импрессионистов. Так, Дебюсси за первые десять лет пишет ‘Облака’, ‘Эстампы’ (наиболее образный из которых, акварельная звуковая зарисовка ‘Сады под дождём’), ‘Образы’ (первый из которых, один из шедевров фортепианного импрессионизма, ‘Отблески на воде’, вызывает прямые ассоциации со знаменитым полотном Клода Моне ‘Импрессия: восход солнца’)

По известному выражению Малларме, композиторы-импрессионисты учились «слышать свет», передавать в звуках движение воды, колебание листвы, дуновение ветра и преломление солнечных лучей в вечернем воздухе. Симфоническая сюита ‘Море от рассвета до полудня’ достойным образом подытоживает пейзажные зарисовки Дебюсси.

Инструментовка импрессионистов характеризуется уменьшением размеров классического оркестра, прозрачностью и тембровым контрастом, разделением групп инструментов, тонкой детальной проработкой фактуры и активным использованием чистых тембров как солирующих инструментов, так и целых однородных групп.

В камерной музыке любимое тембровое сочетание Сати и Дебюсси, почти символическое для импрессионизма — это арфа и флейта. Эта музыка очень чувствительна к качеству инструмента и помещения — особенный гул и звонкость создают задуманный эффект.

В импрессионизме нет экспрессии, нервозности, гротеска, драмы, психоза — там все хорошо, красиво,.. радость жизни.

Реклама
Опубликовано в Music. Метки: , . Leave a Comment »

Музыкальная среда 7

Wilhelm Richard Wagner

Wilhelm Richard Wagner


План лекции:

  1. Реформа оперы: Р. Вагнер.
  2. Горы и предгорья
  3. И. Брамс, А. Брукнер.
  4. Э. Григ.


Опера. Драматическое исполнение с музыкой соединил Глюк. Опера тогда состояла из отдельных элементов — ‘‘номеров’’; каждый номер был законченным. Для связи номеров встречались вставки речитатива.

Человек, догадавшийся, что в театре можно потушить свет, изобретатель оркестровой ямы, революционер и друг королей, герой всевозможных скандалов; он основал уникальный театр и утверждал что публика должна ходить в театр не ради приятного общения, а для того чтобы смотреть его драмы. Все это Рихард Вагнер.

Вагнер сломал принцип номеров; он создал полную музыкальную драму, обычное действие положил на музыку. Тексты его опер полупрозаические, получалось повествование на распев; кстати, отсюда некоторая немелодичность пения. Пели не отвлеченные реплики, а действительные элементы диалога, важные сюжетные моменты. Поэтому оперы, чтобы понимать, нужно слушать на родном языке. Перевести оперы на другой язык практически невозможно; переводили либретто (литературную основу большого вокального сочинения). Кстати, Вагнер сам автор своих либретто.

Он также ввел понятие лейтмотив — это характерная тема или музыкальный оборот, которые обрисовывают какой-либо персонаж оперы.

‹Тристан и Изольда› — самая красивая музыка на мотив любви. Нет оперы ‹Ромео и Джульетта›, потому что есть ‹Тристан и Изольда›.

С другой стороны, мистицизм и идеологически окрашенный антисемитизм Вагнера повлияли на немецкий национализм начала XX века. Вагнер — любимый композитор Гитлера. Гитлер говорил, что «невозможно понять национал-социализм не понимая Вагнера». И действительно, после прослушивания оперы ‹Риенцы› создается впечатление что слушал нацистский марш.

Самое знаменитое произведение Вагнера это ‹Кольцо Нибелунгов›. Это цикл из четырех эпических опер, основанных на реконструкциях германской мифологии, на исландских сагах и средневековой поэме ‹Песнь о Нибелунгах›:

  1. Золото Рейна (Das Rheingold),
  2. Валькирия (Die Walküre),
  3. Зигфрид (Siegfried),
  4. Гибель богов (Götterdämmerung).

Общее время исполнения всех четырех опер занимает более 15 часов, самая короткая опера ‹Золото Рейна› длится два с половиной часа, самая долгая — ‹Гибель богов› — более пяти.

И это все очень усложняет прослушивание оперы. Невозможно высидеть-выслушать 3 часа непонятного пения и музыки особенно неподготовленному слушателю. А смотреть оперу стало смешно и стыдно. Представьте как толстые оперные певцы вынуждены играть мальчиков-романтиков. Так же по сюжету у Вагнера для постановки должны использоваться сложные технические приемы. Например, представьте: Рейн, дно, в воде плавают русалки. И как это сделать в XIX веке? Идеальную оперу сделать очень сложно.

В Байрейте состоялась укладка фундаментного камня для ‹Дома фестивалей›, где и состоялась премьера тетралогии ‹Кольцо нибелунгов› 13-17 августа 1876 года. Этот театр был создан для Вагнера и с тех пор там играют только оперы Вагнера. Если хотите увидеть настоящее качественное исполнение оперы, нужно ехать туда; только приготовьтесь высидеть несколько часов действия и музыки :)

Вагнер — это взгляд на много столетий вперед; и расхлебывать его реформы приходится последующим поколениям. Его последователи развили отрицательные стороны жанры; не смогли сохранить красоту. Опера стала больше подчинятся драме, перестала быть музыкой,
исчезла мелодика в пении. Современную оперу невозможно слушать. С позиции неподготовленного слушателя это набор звуков невоспринимаемый. И противники оперы поворачиваются к другому жанру не столь высокому — мьюзикл.

Слушать: ‹Тангейзер› (Tannhäuser)

Знакомясь с классической музыкой мы говорим о вершинах гор — о великих композиторах. К сожалению умалкиваем о других композиторах, не столь гениальных — о предгорьях; но без них не было бы и гор. Они подготавливали почву для гениальных открытий, формировали стиль и направления в котором работали вершины.

Например, стиль чешского композитора и пианиста Яна Дусика очень похож на стиль Бетховена; но жил Дусик раньше Бетховена. Создатель жанра ноктюрн — ирландский композитор Джон Филд; этот жанр потом развил Шопен. А учитель Фида — Муцио Клементи — сочинял музыку, похожую на музыку Моцарта до него.

Признаны 4 великие музыкальные державы: Германия (Австрия, Священная Римская Империя), Италия, Франция, Россия. Но существуют композиторы и из других стран, например, Чехия. Есть мнение, что без Чешской музыки не было бы Европейской. Кстати, Моцарта впервые признали в Праге; и Прага считает Моцарта своим композитором; его там любят и часто исполняют.

Бе́држих (Фридрих) Сме́тана — один из крупнейших музыкантов Чехии, считающийся основоположником национальной композиторской школы. Он был первым композитором, использовавшим в своих сочинениях чешские народные сюжеты и мотивы. Творчество Сметаны оказало огромное влияние на чешских композиторов последующих поколений — Антонина Дворжака, Зденека Фибиха и других.

А Дво́ржак — самый знаменитый чешский композитор. Но не дай бог познакомится не с теми его произведениями. Хотя его самые популярные работы это славянские танцы; это не самое лучшее его произведение.

Антон Брукнер — австрийских композитор. Он как и Вагнер не писал коротких произведений. Он был богобоязненным, религиозным, уважаемым человеком, но не признанным как композитор. Его признали только в конце жизни. Он молился о ниспослании ему дара и только в 40 лет этот дар к нему пришел. Он создал 9 симфоний, пронизанных духом величавости, мелодичности. Брукнер — это Шуберт в симфониях, почитаемый у искушенных.

Иоганнес Брамс — один из наиболее крупных немецких композиторов, друг Шумана, представитель третьего поколения романтиков. Он писал серьезную музыку; но про него говорили что он «дразнит, но ничего не дает». Вагнер не признавал музыку без слова; для Брамса существовала только чистая музыка.

Эдвард Григ — норвежский композитор. Он в своей музыке передавал народный дух северных народов: суровость, холод. Про его лиричную музыку говорят, что «Григ писал музыку для горничных». Однако фортепианный концерт Грига — одно из выдающихся произведений этого жанра в европейской музыке второй половины XIX века.

Слушать: Григ — Концерт для фортепьяно с оркестром.

Опубликовано в Music. Метки: , . Leave a Comment »

Музыкальная среда 6

Chopin, Fréderic François

Chopin, Fréderic François


План лекции

  1. Романтизм
  2. Н. Паганини
  3. Ф. Мендельсон
  4. Ф. Лист
  5. Р. Шуман
  6. Ф. Шопен
  7. Г. Берлиоз

После возрождения наступает рефлексия. Так появился романтизм.

Романтизм — это период когда творческий человек отрывается от мира и погружается в себя, в свои чувства, мысли, переживания. Музыка становится более рельефной, индивидуальной; получают развитие песенные жанры, в том числе баллада. Это также время, когда музыка стала оцениваться исполнительским мастерством. Музыка превратилась в шоу.

Настало время виртуозов. И сама музыка от этого к сожалению проиграла. Пропала глубина, важность каждого звука; композиторы прячут в ‘‘блестящей мишуре’’ свои ошибки. На первый план вышла именно сложность композиции, виртуозность исполнителя. Чтобы играть произведения некоторых композиторов нужно тренироваться с самого детства.

Первым ‘‘романтизмиком’’ был Никколо Паганини. Супер виртуоз. Признанный гений мирового музыкального искусства. Уже с шести лет Паганини играл на скрипке, а в девять лет выступил с концертом в Генуе, который имел огромный успех. Мальчиком он написал несколько произведений для скрипки, которые были так трудны, что кроме него самого никто не мог их исполнить.

Паганини мог на одной струне (четвертой) играть целые пьесы — это приводило в удивление публику. Паганини был настоящим виртуозом, обладавшим в высшей степени яркой индивидуальностью, основывая свою игру на оригинальных технических приемах, которые он исполнял с непогрешимой чистотой и уверенностью.

Имя Паганини было окружено какой-то таинственностью, чему содействовал и он сам, говоря о каких-то необычайных секретах своей игры, которые он обнародует только по окончании своей карьеры. При жизни Паганини было напечатано очень мало его сочинений, потому что автор боялся, что путем печати многие из его виртуозных тайн могли бы быть обнаружены. Таинственность Паганини возбуждала такое суеверие, что епископ Ниццы, где скончался Паганини, отказал в заупокойной мессе, и только вмешательство папы уничтожило это решение.

Слушать: Концерты для скрипки, Каприз № 24.

Появились и подражатели Паганини для фортепьяно — это Роберт Шуман и Ференц Лист. Существуют ‹Этюды по Паганини› Листа и Шумана. Шуман так хотел научится виртуозно играть на пианино, что придумывал всевозможные приспособления, механизмы, привязывал себе руки, пальцы; в итоге он себе так повредил суставы, что не смог больше играть.

У Шумана был замечательный романтический взлет. Он начал с замечательный фортепьянных произведений; написал 20 шедевров, один за другим; а потом сник. К концу жизни он подорвал свое психическое здоровье и кончил в больнице (сумасшедшем доме).

И все таки работы Шумана — это олицетворение романтизма. Ни у кого больше нет такого диапазона образов, плотной, густой музыки, гаммы аккордов. Кантилена (широкая, свободно льющаяся мелодия) всегда присутствует в его музыке.

Мало понятая при жизни, большая часть его музыки теперь расценивается как смелое и оригинальное явление в гармонии, ритме и форме.

Слушать: Симфонические этюды.

Лист прекрасно играл на фортепьяно, написал много красивой музыки. Его музыка богата бесконечными супер-пассажами, которые по сути пустые; они ничего не говорят. Эта очень легкая музыка, но сложная в исполнении.

Во всем, что писал Лист, видна самобытность, стремление к новым путям, богатство фантазии, смелость и новизна приемов, своеобразный взгляд на искусство. Например, его Венгерские рапсодии. Фантастическая сложность.

Слушать: Большая соната Си-минор, Трансцендентные этюды.

Фредерик Шопен — любимчик всех времен, гений вкуса. Он по-новому истолковал многие жанры: возродил на романтической основе прелюдию, создал фортепианную балладу, опоэтизировал и драматизировал танцы: мазурку, полонез, но наиболее интимным, ‘‘автобиографическим’’ жанром в творчестве Шопена являются его вальсы.

Он единственный композитор чью всю музыку играют; а пианисты играют ее обязательно. Россыпи мелодий.

Это удивительно ровный композитор: все произведения одинаковой сложности; все маленькие бриллиантики. И некоторые критикуют его за это; что нет разнообразной музыки, все одинаковое, все про любовь. Женская музыка. Печаль Шопена.

Сердце Шопена было, согласно его воле, отправлено в Варшаву, где оно замуровано в колонну Церкви Святого Креста. Никогда — ни до, ни после Шопена — его родина Польша не давала такого музыкального гения.

Слушать: вальсы, 24 прелюдии — там все богаство Шопена.

Опубликовано в Music. Метки: , . Leave a Comment »

Музыкальная письменность

Оказывается красота классической музыки заключается в том что ее записывали. Ведь часто сталкиваешься с тем что вроде и пришла в голову хорошая мысль, но как только ее запишешь — ее острота сразу пропадает, наоборот становится видна вся ее глупость. И видно что мысль нуждается в доработке на бумаге.

Так и музыкой. Если композитор и придумал мелодию, до тех пор пока он ее не записал, она кажется ему гениальной. Но на нотном стане она выглядит совершенно иначе. Мне это сложно понять — я не разбираюсь в музыке, у меня нет слуха; но настоящие композиторы сочиняют музыку не за роялем, а за столом; они знают как звучит каждый инструмент и могут полностью в голове проиграть любое произведение (например, Шуберт ни разу не слышал ни одного своего произведения — они не исполнялись при его жизни — но он оставил после себя гигантское количество гениальных песен, сонат, симфоний и пр.).

Кстати, о записывание. Ноты. Наконец-то понял почему нот 7. В Европе это исторически сложилось из гимна св. Иоанну. За названия нот взяты первые слоги строк гимна, который пелся в восходящей октаве:

UT queant laxis REsonare fibris
MIra gestorum FAmuli tuorum,
SOLve polluti LAbii reatum, Sancte Ioannes.

потом правда UT заменили на DO.

А вообще нот не 7. В музыке используется равномерно темперированной двенадцатизвуковой строй: все ноты плюс полутона, кроме полутона между си-до и ми-фа. Кстати, 12 тонов — это тоже просто наиболее популярный строй в западной музыке; в восточной музыке, например, встречается 24-тоновая темперация; индийская музыка основана на строях, близких к 22 РТ.

Еще ноты одинаково называются в разных октавах, потому что их частоты отличаются ровно в два раза. Например, частота ля 1-ой октавы 440 Гц, а ля 2-ой октавы 880 Гц. Кстати, забавно что называется ‹октава›; нот-то 7, а окт — это 8; чтобы получить 8 нужно считать от ноты до до ноты до.

Меньше 1% людей слушают классическую музыку.

Опубликовано в Music. Метки: . Leave a Comment »

Музыкальная среда 5

Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven

План лекции:

  1. Зарождение романтизма
  2. Л. Бетховен
  3. Ф. Шуберт
  4. К. Вебер

Бетховен — кумир, ключевая фигура западной классической музыки в период между классицизмом и романтизмом. Даже выделяют две эры в музыке: добетховенская и послебетховенская. Так же с Бахом. До Баха музыка была невыдающаяся, нестройная; Бах был первым гениальным композитором; но он был ремесленником. Бах зачастую брал чужой материал и пересаживал его на полифоническую почву.

И только Бетховен заявил о себе как о творческом человеке, который должен работать над своим творчеством; а не продавать первое что придет в голову. Ремесленники до него, как только придумают какую-нибудь мелодию, сразу ее записывают добавляя некоторые стандартные обработки и клише. Они могли про себя сказать: «Много сочинено — ничего не написано».

Бетховен же постоянно работал над своими произведениями: сначала делал эскиз, а потом доводил его до совершенства, добавлял новые революционные элементы. Он про себя говорил: «Много написано — ничего не сочинено». Его музыка было очень смелой; современники иногда про нее говорили «Бред глухого сумасшедшего»; но «разве вы сможете оценить незаурядное со своей заурядностью».

Бетховен боролся за свое право в музыке и обществе. «Я могу — вы нет». «Это запрещенный элемент? Я его разрешаю!»

Не менее чем игрой, Бетховен поражал и своим внешним обликом. Небрежно одетый, с гривой чёрных волос, с резкими, угловатыми движениями, он сразу выделялся среди изящных дам и кавалеров. И выделялся еще и своим поведением: грубым, резким, требовательным; едва заметив малейшее неуважение к себе, заявлял об этом прямо, не выбирая выражений: «Таким свиньям я играть не буду!»

Князу Лихновскому, который обошелся с ним не слишком вежливо, Бетховин заявил: «Князь! Тем, чем являюсь я, я обязан самому себе. Князей существует и будет существовать тысячи, Бетховен же — только один!»

Однажды Бетховен и Гёте, гуляя, встретили императрицу в окружении свиты и придворных. Гёте, отойдя в сторону, склонился в глубоком поклоне, Бетховен прошел сквозь толпу придворных, едва притронувшись к шляпе. И он мог себе это позволить, он — гений.

С образом Бетховена связано так же много романтичного: его произведения ‹Лунная соната›, ‹К Элизе›, его стремление к высшему свету, желание обрести любовь, женится. Кстати, название ‹К Элизе› — это опечатка, на самом деле к Терезе (Брунсвик). А ‹Лунная соната› — это соната № 14; в оригинале называется ‹Sonata quasi una Fantasia›; (в духе фантазии). А поэт Рельштаб назвал ее “Лунной”, и, хотя это название подходит лишь к первой части, а не к бурному финалу, оно закрепилось навсегда за всем произведением.

И во то же время образ романтичности немного срывается, когда узнаем, что Бетховен заработал глухоту от сифилиса, который подцепил в публичных домах Вены. Бетховен начинает терять слух в 26 лет; и бóльшую часть своих произведений он напишет глухим. Глухота отделяет Бетховена от мира, лишает звукового восприятия, радости дружеского общения; он становится угрюм, замкнут.

Прослушав импровизацию Бетховена, Моцарт воскликнул: «Он всех заставит говорить о себе!»

У Бетховена 32 прекрасных сонаты для фортепьяно. Потрясающей красоты и сложности. Говорят что есть два типа музыкантов: одни могут хорошо играть первую часть 32 сонаты, другие — вторую; но нет таких которые исключительно могут сыграть обе части.

Струнные квартеты Бетховен считаются вершиной жанра. Мне очень нравятся его концерты для фортепьяно с оркестром. У него есть и единственная опера ‹Фиделио› («Это дитя моего духа было произведено на свет в более сильных мучениях, чем другие, и доставило мне величайшие огорчения. Поэтому оно мне дороже всех…»)

Слова Бетховена: «Музыка должна высекать из души огонь, а не ласкать ваши уши». И именно такую музыку пишет он.

1, 2 симфонии — завершение, триумф классицизма.

3 симфония — героическая, задумывалась как посвященная Наполеону.

5 симфония — «Так судьба стучится в дверь».

7 симфония — апофеоз танца.

9 симфония — ‹К радости!›

Кстати, именно с Девятой симфонии началось мое знакомство с классикой (правда услышал я ее в фильме ‹Заводной Апельсин›). Еще легенда гласит, что разработчики компакт-диска рассчитывали его объем так, чтобы на нем полностью поместилась Девятая симфония Бетховена (самое популярное музыкальное произведение в Японии в 1979 году согласно специально проведенному опросу), длящаяся около 74 минут.

Девятая симфония была исполнена в 1824 году. Публика устроила композитору овацию. Бетховен стоял спиной к залу и ничего не слышал, тогда одна из певиц взяла его за руку и повернула лицом к слушателям. Люди махали платками, шляпами, руками, приветствуя композитора. Овация длилась так долго, что присутствовавшие тут же полицейские чиновники потребовали её прекращения. Подобные приветствия допускались только по отношению к особе императора.

Опубликовано в Music. Метки: , . Leave a Comment »

Voyager

Golden Record

Golden Record

Нужно познакомится со всей музыкой, которую американцы отправили с ‹Вояджером›; все таки культурное наследие Земли.

〈 75 % записей ‹Вояджера› посвящено музыкальным формам выражения многих культур. С помощью дирижёра Мюррея Сидлина и музыковедов Алана Лоцнакса, Роберта Брауна и Чу Вен Чанга было выбрано 27 различных произведений для записи.

Западная лёгкая музыка представлена Чаком Берри («Johnny B. Goode»), Луи Армстронгом («Melancholy Blues») и Слепым Вилли Джонсоном («Dark Was the Night»). Но западная музыка составляет менее половины музыкальной подборки. Остальная запись включает классическую музыку Индии, Явы и Японии, а также китайское произведение для 7-струнной гитары, сочинённое 2500 лет назад.

Была включена и народная музыка Перу, Болгарии, Австралии, Африки и две народные мелодии из СССР: азербайджанская музыка для волынки и грузинское хоровое пение. В запись вошли игра на свирели с Соломоновых островов и ритуальное пение из Новой Гвинеи, которое датируется, возможно, каменным веком, когда первобытные люди только ещё начинали сочинять музыку. 〉

А вот что меня интересует: 〈 Западная классическая музыка представлена:

  • Бахом
    • Бранденбургский концерт N2
    • Гавот в форме рондо
    • Хорошо темперированный клавир
  • Бетховеном
    • 5-я симфония
    • струнный квартет № 13
  • Моцартом
    • Волшебная флейта
  • Стравинским
    • Весна священная 〉
Опубликовано в Music. Метки: . Leave a Comment »

Музыкальная среда 4

Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart

План лекции:

  1. Послебаховский период, переход к новому стилю.
  2. Сыновья Баха.
  3. Классицизм: К. Глюк, Й. Гайдн, В. Моцарт.

У Баха было много сыновей, которые были обучены отцом музыкальной грамоте, и впоследствие стали композиторами. Они понимали отцовский гений, но отказались от отцовской техники — полифонии.

В Европе появилось новое музыкальное направление: гомофоние — стремление чтобы вместо многоголосья в произведении была четко выражена одна мелодия. Это классицизм.

В ту эпоху было засилие итальянцев в музыки по всей Европе. Все оперы были на итальянском языке; большинство композиторов были итальянцами. Один герцог сказал, что лучше он послушает ржание своей лошади, чем пение немецкой женщины. Но у итальянцев не было глубины в музыке; у них легкость, веселость, поверхностность. Поэтому до нас не дошли их произведения — они не признаны гениальными и выдающимися; хотя все главные места в музыки занимали итальянцы; например, Сальери был придворным композитором и капельмейстером императорского оркестра.

Но были и немецкие композиторы, музыка которых осталась с нами. Например, Глюк писал потрясающие оперы; а музыка Й. Гайдна преимущественно чисто инструментальная. Он написал 108 симфоний. Гайдн — вершина классицизма.

Ну и конечно, Моцарт! Безусловно Моцарт самый гениальный и одаренный композитор. С его жизнью смертью досконально до сих пор ничего не известно. Умер в нищите; его гроб был оставлен один в комнате, куда пришел гробовщик и увез его в неизвестном направлении; никто не знает где похоронен Моцарт. Никто точно не знает почему он умер.

Моцарт был гений, но и немножко дурачок. Можно посмотреть фильм ‹Амадеус› — его образ там недалеко от истины. Из дома герцога в Зальцбурге его выгнали пинком отправив кубарем с лестницы.

Его музыка считается простой, но она гениальна в своей простоте. Её изучают музыканты в начале и возвращаются к ней мастера. Каждая нота в его произведениях стоит на своем месте; и правильно играть Моцарта очень сложно, исполнитель не спрячет свои ошибки в куче звуков виртуозной музыки импрессионизма.

Послушать: К. Глюк опера ‹Орфей и Эвридика›; Й. Гайдн ‹Времена года›.

Опубликовано в Music. Метки: , . Leave a Comment »